They give a Voice to the Saxes

En 1843, un nouvel instrument, le saxophone, fut inventé par Adolphe SAX (1814-1894) facteur d’instruments d’origine belge. C’est un instrument à vent en métal, à anche simple, muni d’un bec semblable à celui des clarinettes et pourvu de multiples clefs. Dans la famille des saxophones, les plus utilisés sont le saxo soprano, le saxo alto, le saxo ténor et le saxo baryton. Monsieur Sax ne pouvait imaginer que son invention allait devenir l’un des instruments “phares” du XXe siècle, grâce au génie et au travail des musiciens de jazz qui, à partir des années 20, allaient donner un son, mieux une voix, et par là, une envergure mondiale à son invention. Car ce furent les musiciens noirs de jazz qui donnèrent leur vraie place aux saxophones, instruments qui avaient eu un rôle très effacé, voire avaient été quasiment ignorés dans la musique classique. Sidney Bechet pour le soprano, Johnny Hodges et Benny Carter pour l’alto, Coleman Hawkins pour le ténor et Harry Carney pour le baryton sortirent le saxophone de son ghetto et en firent, chacun à sa manière, l’un des instruments les plus importants de la musique de jazz. Ils lui donnèrent une véritable identité, une grande stature, avec une voix, une éloquence, un son qui placèrent progressivement la famille des saxophones au premier rang de cette musique qui, elle-même, eut une influence déterminante sur l’ensemble de l’expression musicale du XXe siècle. Car jusqu’alors depuis les débuts du jazz, les instruments mélodiques étaient la trompette, la clarinette et le trombone qui formaient la base des improvisations collectives du fameux style New Orleans. Les saxophones, comme le ténor ou l’alto, n’avaient qu’un rôle très marginal, aussi les musiciens qui les utilisaient étaient peu nombreux et leur style restait particulièrement fruste, presque rudimentaire ! Cela allait vite changer grâce aux artistes cités plus haut. C’est pourquoi nous nous intéresserons en premier à ces cinq pionniers et illustrerons par quelques titres significatifs les étapes de leurs parcours vers la pleine possession et la maîtrise absolue de leur art. Ne sont-ils pas considérés comme les rois de leurs instruments respectifs ?
CD 1 :  Les Pionniers ou les Chefs de file
Sidney Bechet (saxo soprano) (1887-1959) Dès le début des années 1910, un Créole de la Nouvelle-Orléans, le génial Sidney Bechet, jouait déjà en virtuose de la clarinette, ayant fait partie, dès son jeune âge, d’orchestres réputés. Il avait appris seul la clarinette, négligeant d’étudier la musique, et jouait uniquement d’oreille ! Il avait travaillé d’arrache-pied son instrument, trouvant comme d’autres musiciens de la Cité du Croissant le moyen de jouer les mêmes notes avec des doigtés fantaisistes variés, qu’on appelle les doigtés factices, qui leur étaient précieux pour réaliser, en toute aisance, des traits rapides impossibles à exécuter avec les doigtés enseignés dans les écoles de musique “classique”. Il découvre vers 1920 le saxophone soprano, instrument plus brillant, plus séduisant et surtout plus puissant que la clarinette, ce qui allait parfaitement convenir à ce musicien au tempérament fougueux et dominateur ! Il l’adopte et applique sur ce nouvel instrument toute la maîtrise qu’il avait acquise, par ailleurs, sur la clarinette dont les doigtés sont très proches. Nous le trouvons dès 1923, sous l’égide du pianiste Clarence Williams dans un titre, Kansas City Man Blues, où il déploie déjà, d’un bout à l’autre de l’interprétation, son immense talent et sa maîtrise de l’instrument qu’il sait faire vibrer avec intensité.
Puis, en 1924, il enregistre aux côtés de Louis Armstrong, faisant jeu égal avec celui qui est déjà le roi incontesté du jazz ! Entre ses mains, le saxo soprano s’impose grâce à une sonorité volumineuse, un vibrato ample et chaleureux, une autorité, une assurance rares, toutes ces qualités mises au service de son exceptionnelle créativité. Le drame de Sidney Bechet c’est d’avoir eu en face de lui, et sortant comme lui du berceau musical de la Nouvelle-Orléans, un rival qui a dominé le jazz, le génial Louis Armstrong. Tous deux furent les génies du jazz de l’époque. Très en avance sur leur temps, ils rivalisaient en swing et en maîtrise dans leurs discours mélodiques. Mais c’est Louis qui s’imposa comme une vedette de rayonnement mondial. Sidney voulait que son soprano rivalise avec la trompette, grâce à son étonnante force d’exécution et son vibrato enflammé ! Il lui arrive souvent dans des improvisations collectives, lorsqu’il a en face de lui un trompettiste qui ne fait pas le poids, de prendre le lead en s’imposant avec détermination. Par ailleurs, Sidney Bechet aimait beaucoup remuer, voyager, c’est ainsi qu’on le trouve en Europe avec la Revue Nègre qui devait lancer Joséphine Baker. Il visite toute l’Europe y compris la Russie. Lors de son retour aux USA en 1928, il fait partie de l’orchestre de Noble Sissle où il est quasiment enterré, musicalement parlant. Enfin il forme avec le trompette Tommy Ladnier une petite formation qui se produit au fameux Savoy Ballroom de Harlem en 1932. De cette période, on retiendra Maple Leaf Rag qu’il mène tambour battant ; son saxo soprano, brillant de mille feux, est au premier plan de bout en bout. On peut ainsi comprendre l’extraordinaire impact de sa musique et percevoir le lyrisme de ses phrases. Il retourne ensuite dans les rangs de l’orchestre de Noble Sissle pendant 4 ans. Heureusement, en 1938, ses disques avec Tommy Ladnier et Milton Mezzrow le mettent en évidence. À partir de là il devient un artiste de jazz très en vue, enregistrant abondamment des disques de très grande qualité, tel Indian Summer de 1940 où il est flamboyant tout au long, faisant vibrer son soprano avec chaleur et véhémence. Il faut bien préciser que Sidney est à l’aise aussi bien sur toutes sortes de thèmes que lorsqu’il interprète le blues le plus low down. Il est au premier plan du beau Where Am I ? enregistré en 1947 aux côtés du clarinettiste Mezz Mezzrow. Ils réaliseront ensemble une longue série de disques, principalement des blues, qui a généré de multiples chefs-d’œuvre au cours des années 45 et 47 ! Venu en France en 1949, il s’y installe et jouit alors d’une extraordinaire popularité, enfin il est adulé… et c’est bien ainsi. Sidney Bechet décédera à Garches en 1959.

Coleman Hawkins (saxo ténor) (1904-1969)
Contrairement à Sidney Bechet qui a très rapidement maîtrisé le saxo soprano, il n’en avait pas été de même pour les ténors. La musique jouée par ces premiers saxophonistes était peu plaisante, bien peu mélodieuse, et il a fallu attendre des musiciens exceptionnels, comme Coleman Hawkins qui, petit à petit et au bout de plusieurs années de travail, de recherches, de progrès, maîtrisent l’instrument et arrivent à jouer des phrases avec souplesse, avec aussi de subtiles nuances, tournant le dos au style fruste et heurté des débuts. Le vibrato devint ample, la sonorité chaude et moelleuse. La musique créée par Coleman Hawkins devint lyrique et ses improvisations se mirent à chanter. Rien que par sa seule sonorité il s’imposa comme une voix majeure de toute la musique de jazz. Le rayonnement et la popularité du saxo ténor, c’est évident, partent de lui et furent prolongés par ses multiples disciples et admirateurs qui, à leur tour en s’inspirant de lui, développèrent au travers du filtre de leurs propres personnalités, de multiples manières de faire chanter, parler, s’exprimer ce magnifique instrument. Entré en 1922 dans l’orchestre de Fletcher Henderson, Coleman Hawkins en jouant aux côtés de Louis Armstrong en 1924-25, réalise l’abîme qui le sépare de la musique exaltante jouée par le grand trompettiste. Il veut absolument acquérir l’aisance, la maîtrise, le phrasé de Satchmo qu’il prend pour modèle et qui reste le musicien ayant eu le plus d’influence sur toute son évolution. Certes, très vite Hawkins se signale par une puissance et une fougue peu courantes. Son swing est impressionnant, mais sa sonorité est cependant dure, presque agressive. Grâce à l’influence bienfaisante de Louis Armstrong, il va appliquer sur son ténor l’accent lyrique, chantant, majestueux du trompettiste. Son phrasé s’assouplit, il déve­loppe dorénavant avec habileté ses improvisations et plus les années passent, plus il prend de l’assurance au point de devenir l’un des grands du jazz ! Son influence sur presque tous les autres saxos ténors est certaine, tous voulurent s’inspirer de lui et copier son autorité, son swing, son débit, son attaque, la subtilité de ses broderies et l’opulence de sa sonorité. C’est le Maître et dans le second CD nous entendrons certaines des plus grandes réussites enregistrées par ses “enfants” les plus doués. Lesquels, après s’être inspirés de lui, ont développé leur propre style et permis à leurs différentes personnalités et tempéraments de s’épanouir. Voici  Coleman Hawkins en 1933 dans I’ve Got To Sing A Torch Song avec l’orchestre de Fletcher Henderson, où tout au long de son admirable solo, on est comblé par la richesse de ses idées, par son articulation sans faille, et par son exceptionnelle sonorité. Avec une telle musique, on comprend pourquoi il a été le point de mire, l’idole de multiples jeunes musiciens ! Somptueux solo qui annonce bien d’autres variations majestueuses sur des ballades, exercice où il semble avoir bien peu de rivaux. Certains musiciens ont dit avoir choisi pour instrument le saxo ténor après avoir entendu Coleman Hawkins !
En 1939, de retour d’Europe, il enregistre à New York, son chef d’œuvre Body And Soul, qui lui vaut alors une réputation quasi mondiale ! Cependant, au risque de faire sursauter ses admirateurs, nous avouons aimer, encore plus, une autre ballade de 1943, How Deep Is The Ocean où nous le trouvons au sommet de son art. Jugez vous-même ! Hawk, comme certains musiciens aiment l’appe­ler, n’est pas moins stupéfiant dans les mor­ceaux rapides, surtout pour le swing, où ses déboulés et son punch font l’effet d’un véritable torrent musical. Comment résister à son attaque tranchante, au poids qu’il met dans certaines phrases, à certaines notes qu’il charge parfois d’un léger growl ? En compagnie du pianiste Eddie Heywood et du bassiste Oscar Pettiford en 1943, il survole de toute sa puissance The Man I love. Comment rester indifférent devant un tel déferlement et une telle richesse dans l’inspiration ? N’oublions jamais que le but d’un vrai musicien de jazz est de faire parler son instrument et, grâce à cette éloquence, d’arriver non seulement à éblouir, mais aussi à émouvoir ! Car l’objectif d’une œuvre d’art n’est-il pas de transmettre, avant tout, des émotions ? C’est ce que Hawkins réussit pleinement au cours de cette version de On The Sunny Side Of The Street de 1944 avec son ami et comparse Cozy Cole. Son jeu évolue, vers 1946-1947 : peut-être mal conseillé ou désirant ne pas rater la moindre évolution du jazz, pour rester toujours le N°1, Hawkins se mit à fréquenter et à enregistrer avec la génération suivante, adepte du be-bop. C’était - à notre avis - une erreur, car le dialogue avec ces musiciens aux conceptions musicales différentes, voire opposées aux siennes, ne pouvaient rien lui apporter de positif, bien au contraire !  Il est cependant instructif de souligner qu’il retrouvait instantanément toutes ses magnifiques qualités, sa joie et sa rage de swinguer, lorsqu’il rejouait avec ses pairs, ses traditionnels amis, les Ben Webster, Roy Eldridge, Benny Carter, Teddy Wilson, Rex Stewart, Cozy Cole… comme dans une formidable version de 1955 de Organ Grinder’s Swing avec justement Rex et Cozy entre autres. Là, nous retrouvons le grand Coleman Hawkins avec toutes ses qualités qui ont fait de lui pendant des années et des années le premier des saxos ténors ! Une des personnalités les plus exceptionnelles de tout le jazz, celui qui plus que tout autre a réussi à sortir le saxophone de son ghetto !  Benny Carter (saxo-alto) (1907-2003) Le saxo alto trouva en Benny Carter, ami et comparse de Coleman Hawkins, durant de longues années, un artiste flamboyant qui par son travail amena, lui aussi, cet instrument au premier rang. Technicien remarquable, il brille également par une sonorité d’une beauté exceptionnelle  et d’un volume impressionnant. Il faut aussi souligner ses dons de créativité que peu de musiciens ont égalé. Les phrases les plus belles, les plus intrigantes aussi, les plus étincelantes, fusent de son saxo alto, et ce à chacune de ses interventions. Dès la fin des années 20, il semble qu’il soit parvenu à cette perfection, comme il le démontre en 1929 dans I’ll Love It avec les McKinney’s Cotton Pickers, faisant preuve d’une étonnante autorité. On réalise immédiatement qu’il possède déjà cette sonorité pleine et volumineuse, ce rayonnement qui devait le porter au premier rang. Confirmation de ses dons mélodiques et de son incroyable facilité avec Krazy Kapers de 1933, où il joue le pont du premier chorus et un triomphal solo de 32 mesures qui débute par une puissante inflexion ascendante. Renversant ! On trouve également dans ce disque, un fougueux solo d’un swingman d’exception, un as de son instrument, le saxo ténor Chu Berry, dont nous reparlerons plus loin. La sonorité pleine, chaleureuse, moelleuse aussi de Benny Carter au cours de sa jolie composition Blues In My Heart, est une illustration infaillible de ce que peut exprimer un saxo alto au sommet de ses possibilités, telles que seuls les artistes noirs l’ont porté ! Nouvelles étincelles dans le solo de 32 mesures de I’m In The Mood For Swing (encore une de ses compositions), cette fois en compagnie de Lionel Hampton au vibraphone.  Benny Carter a toujours été un atout majeur durant sa longue carrière, que ce soit à la tête de ses grandes formations ou lorsqu’il participe, comme ici, à une session de studio. Bravo l’artiste !
Johnny Hodges (saxo alto et soprano) (1906-1970)
Si Benny Carter incarne la somptuosité de phrases gorgées d’émotion et de musicalité, avec Johnny Hodges, c’est la sérénité, l’aisance, la fluidité lors de ses improvisations. Son pouvoir créateur semble infini ; avec lui, jamais de jours “sans”, son imagination est réellement sans limite ! Il joue naturel, sans jamais rechercher les effets spectaculaires, les surcharges inutiles ! Il se sert de longues notes tenues, de glissements d’une note à l’autre, de larges inflexions, attaquant souvent une note en dessous de sa vraie valeur pour l’atteindre enfin, avec flegme, par une inflexion ascendante, ce que les spécialistes appellent une appoggiature inférieure. Vous êtes à présent des musicologues avertis !.. Toute cette maîtrise du son, cette facilité déconcertante à pouvoir travailler les notes, à moduler les inflexions, toutes ces qualités font de lui un exceptionnel joueur de blues, un des meilleurs sur cet art particulier et si difficile. De 1956, avec en soutien l’orchestre de Duke Ellington au grand complet, Night Walk est un blues magnifiquement arrangé par Cat Anderson. Johnny survole ce blues, démontrant combien il est unique dans cet exercice ; il fait sonner son alto avec force et autorité, prouvant que lorsque cela s’impose, il sait fort bien muscler son discours ! Avec lui, c’est toujours la main de fer dans un gant de velours ! Johnny Hodges, que les musiciens appelaient affectueusement “The Rabbit”, a lié sa carrière musicale à celle de Duke Ellington pendant presque toute sa vie, mis à part une courte interruption de 1951 à 1955. Duke en le présentant disait parfois : “De tous les chefs d’orchestres, je suis le plus envié, car je peux vous présenter Johnny Hodges qui fait partie de ma formation” ! Au cours d’un concert voici Johnny, toujours avec l’orchestre de Duke, impérial sur un de ses thèmes favoris, All Of Me, un joyau ! De la même veine, avec comme toujours sa maîtrise incroyable des sons, I’m Gonna Sit Right Down And Write Myself A Letter de 1956 avec un petit groupe d’Ellingtoniens. Il était difficile de ne pas sélectionner le magnifique On The Sunny Side Of The Street gravé en 1937 en compagnie de Lionel Hampton. Disque très important dans la carrière de Johnny Hodges ; sa manière d’exposer puis de broder sur le thème a assis sa réputation et fait le bonheur tant des musiciens que des amateurs. Une référence ! Son calme apparent était impressionnant, que ce soit dans la vie de tous les jours, en studio, sur scène en concert… “Mister Relax” dominait complètement son sujet. Consacré non seulement Roi du saxo alto aux côtés de Benny Carter, Johnny est également un sopraniste que l’on peut placer presque au niveau de Sidney Bechet. Il faut savoir qu’au milieu des années 20, Sidney Bechet fréquentait la sœur de Johnny, et qu’en échange de son silence sur cette liaison auprès des parents de la belle, il avait obtenu des leçons de soprano de son illustre aîné, dont il subit évidemment l’influence, comme on peut le remarquer tant au soprano qu’à l’alto. Outre l’influence de Bechet, Johnny le fut aussi par Louis Armstrong dont il adopta la sérénité et l’accent grandiose. C’est le plus des grands du jazz que d’arriver à émouvoir avec le minimum d’effets et de notes ! Toujours avec Duke, notre homme est au soprano dans Rent Party Blues, faisant étinceler son instrument à la manière de son mentor des années 20, Sidney Bechet. Malgré son énorme réputation parmi les musiciens, peu ont réussi à l’imiter, car son jeu est tellement naturel, coulant, sans le moindre tic, qu’il est finalement difficile à copier. Il eut cependant une influence certaine sur certains artistes notables comme Willie Smith, Charlie Holmes ou Tab Smith. 
Harry Carney (saxo baryton) (1910-1974)
Autre Ellingtonien, comme Johnny Hodges, fidèle à Duke pendant toute sa vie, voici Harry Carney multi-instrumentiste, brillant au saxo alto comme à la clarinette, mais dont le saxo-baryton était l’instrument principal. Il a su donner sonorité ample, profondeur, émotion éloquence à un instrument, qui avant lui était bien pataud ! Il domine le saxo baryton sans partage, ses suivants restant bien loin de ce qu’il sait tirer de son instrument. Il est la vedette de Slap Happy morceau que le Duke lui a composé sur mesure en 1938. En 1944, il participe à une séance présentant quatre saxophonistes éminents, un alto Tab Smith, deux ténors Don Byas et Coleman Hawkins et lui-même au baryton, soutenus par une forte section rythmique où brille comme toujours Big Sid Catlett à la batterie. Pour ce Three Little Words c’est Don Byas qui ouvre le feu par un beau solo de ténor, sinueux et inspiré, montrant combien il doit à Hawkins. Harry Carney surgit et, avec une autorité exceptionnelle, tient la dragée haute à tous les participants. Notez dès le début de son chorus comme il est instantanément épaulé par un Big Sid toujours aussi vigilant. Bonne intervention, comme toujours, de Johnny Guarnieri, et Tab Smith arrive à son tour pour un solo un peu emphatique et maniéré à notre goût, c’est le moins inspiré des saxos ici présents. L’idéal aurait été d’avoir ce jour-là Johnny Hodges ou Benny Carter. Coleman Hawkins déboule en force pour démontrer, comme il le fait toujours lorsque d’autres saxos jouent à ses côtés, qu’il est bien le patron ! Son second chorus est impressionnant ; à lui et à Carney la palme !
CD 2 : Les Disciples et les Singuliers
Le CD 2 va nous donner l’occasion de présenter ce qui s’est fait de mieux tant au saxo ténor qu’au saxo alto, à la suite des pionniers regroupés dans le premier CD
Les Ténors
Si Coleman Hawkins fut le modèle qui inspira nombre de jeunes saxophonistes, tous ne cherchèrent pas à le copier, mais beaucoup se sont imprégnés de sa musique, de sa sonorité, de son phrasé, de son vibrato véhément, de sa manière rigoureuse de développer ses solos. Ils purent ainsi au travers de leur propre personnalité musicale, se forger un style personnel bien à eux. Celui qui fût le plus près de l’égaler tant par le volume sonore que par le swing féroce et la richesse de ses improvisations fut Leon “Chu” Berry (1910-1941). On a souvent insisté sur le swing de ce grand ténor mort hélas trop jeune, mais il possède un vibrato tendu, extrêmement émouvant qu’il faut souligner. Une autre manière de faire sonner un ténor ! Sweethearts On Parade avec Lionel Hampton est un chef-d’œuvre et peut-être le disque le plus célèbre de Chu et à juste titre ! Sans que son inspiration ne faiblisse un seul instant, il est au premier plan de cette interprétation magique de la première à la dernière mesure, jouant avec un swing qu’aucun autre ténor n’a jamais surpassé. Ses phrases harcelantes exécutées en pleine puissance et cependant en pleine décontraction, sa sonorité ardente ont toujours été un sujet d’émerveillement pour tous ses fans. En gravant en 1940 la ballade A Ghost Of A Chance avec l’orchestre de Cab Calloway, Chu voulut donner une réponse au Body And Soul si célèbre de Coleman Hawkins. Si son swing est justement renommé, il faut  souligner également son imagination excep­tionnelle lorsqu’il utilise un style coulant, plus sinueux. Fameux pour la construction de ses solos, il donnait alors l’impression, dès les premières mesures, de savoir exactement comment il allait dérouler ses idées et les amener à leur terme logique. Tous les grands improvisateurs ont cette qualité en commun : savoir terminer un solo avec naturel en parfaite cohérence avec ce qui précède.
Avec Benjamin “Ben” Webster (1909-1973) nous avons un autre géant du ténor, un de nos favoris, à la sonorité opulente, au jeu perpétuellement chargé d’émotion. Ben est un cas, aussi grandiose lorsqu’il brode avec suavité sur une ballade, que lorsqu’il clame le blues avec âpreté et véhémence. Dans les deux cas, sa musique est gorgée de sentiment (il faut bien lire sentiment et non sentimentalité, synonyme de sensiblerie), chaque note, chaque inflexion ne peuvent manquer de toucher l’auditeur. Il est à son meilleur au cours de Poutin’ un blues où, dès les premières notes, on comprend que l’on a affaire à un Maître ! Monsieur Adolphe Sax aurait certainement été incrédule de constater à quel point son invention pouvait transmettre autant, grâce à un artiste comme Ben Webster !
Autre voix énorme, celle de Joe Thomas (1909-1986) qui fût la vedette de l’orchestre de Jimmie Lunceford. Il joue avec une autorité exceptionnelle, allant toujours à l’essentiel, ne surchargeant jamais ses improvisations. Il laisse respirer sa musique, s’appuyant sur des notes longuement tendues, des phrases compactes, utilisant souvent dans les blues, comme ici dans Page Boy Shuffle, de puissantes inflexions qui prennent d’autant plus de valeur, de poids, que sa sonorité chaleureuse est l’une des plus belles jamais sortie d’un ténor. Il est écrasant lorsqu’il interprète le blues, donnant l’impression que le déroulement de ses solos est tellement logique qu’il semble impossible de pouvoir jouer autre chose. Chaque note se trouve à sa place et s’avère indispensable à la construction de l’ensemble. Il est formidable au cours de ce Page Boy Shuffle où il commence son solo après deux chorus de baryton de George Favors, pas mauvais du tout ; on réalise aussitôt que la grandeur du blues saignant au ténor est bien là ! C’est le modèle du prêcheur de blues, où chaque note empoigne l’auditeur !
Herschel Evans (1909-1939), bien qu’ayant eu une carrière phonographique très courte, n’en a pas moins marqué de multiples saxophonistes. N’est-il pas le modèle, le “père” de ces magnifiques ténors originaires du Texas, qui à partir de 1940 ont dominé la scène du jazz avec les  Illinois Jacquet, Arnett Cobb et Buddy Tate dont nous parlerons plus loin. Véhémence, swing ardent, inflexions âpres, sonorité d’une chaleur extrême comme dans son chef-d’œuvre sur tempo lent avec l’orchestre de Count Basie en 1938. Ce Blue And Sentimental eut une exceptionnelle résonance tant sur le public que sur les musiciens. Coleman Hawkins lui-même fut bouleversé par ce disque, au point que, dès son retour d’Europe en 1939, il voulut absolument aller écouter cet Evans qui était capable de créer un tel impact avec sa musique. Mais hélas, c’était trop tard, Herschel venait de mourir quelques jours avant en février. On dit que Hawkins mit plusieurs jours avant de ressortir de sa chambre d’hôtel, où il s’était enfermé à la suite de cette disparition. Hommage d’un Maître !
La deuxième génération des grands saxos ténors possède un irrésistible champion en la personne de Jean-Baptiste “Illinois” Jacquet (1922-2004), un éminent représentant des Texas Tenors. Véritable prodige, il démarre en fanfare en enregistrant un solo historique dans la version Decca de Flyin’ Home de Lionel Hampton en 1942. Ce solo qui le rendit célèbre fut un des plus copiés de tout le jazz ! Toute sa longue carrière est émaillée de multiples réussites ! Sa vélocité, sa technique renversante, son vibrato expressif, son volume sonore impressionnant, font de lui une des voix les plus importantes de son instrument. Sa facilité aussi et son imagination sans limites le rendent passionnant à entendre. Sa sonorité si personnelle, si profonde, prenante, comme son aisance font merveille tout au long de Just A Stettin’ And A Rockin’. S’il est un musicien qui a su exploiter toutes les ressources de l’instrument, c’est bien Illinois Jacquet ! Autre Texas tenor en la personne de Arnett Cobb (1918-1989) dont la puissance, le volume sonore et l’approche presque farouche de l’instrument l’ont fait connaître sous le nom de “Wild Man of the Tenor-Sax” ! Il prit la succession d’Illinois Jacquet dans les rangs de l’orchestre de Lionel Hampton en 1944 pour quelques années. Arnett se signalait par des solos d’une autorité sans faille. Tout au long des années, grâce à une attaque incisive, un son énorme, un dynamisme incroyable, il a toujours su créer un impact exceptionnel, que peu de saxophonistes ont approché. Avec une totale maîtrise, il jette littéralement en pâture au public du fameux concert au Carnegie Hall de 1944 de l’orchestre Hampton, des phrases musclées qui sont accueillies avec stupeur et ravissement par tous ses auditeurs. Il faut s’accro­cher pour écouter sans sauter de son fauteuil son solo de ce Flyin’ Home peu connu des amateurs, d’une fougue rare ! Encore une autre approche de l’utilisation du saxo ténor.
Dernier représentant de ces fameux ténors texans, George “Buddy” Tate (1914-2001) lia sa carrière à celle de l’orchestre de Count Basie pendant près de 10 années. Avec lui on a un modèle de ce que l’on pourrait appeler le “jazz naturel”. Pas de clichés, pas d’excentricités, pas de recherches vaines, pas de virtuosité gratuite, au contraire sa musique respire, coule avec facilité et efficacité. Son discours mélodique est équilibré, aisé à suivre, articulé à la perfection avec un swing qui ne fait que croître chorus après chorus, musique qui enchante les auditeurs mais aussi les danseurs. Lui et son orchestre furent plébiscités par les danseurs de Harlem qui se pressaient tant au Savoy Ballroom qu’au Celebrity Club, et ce pendant plus de 20 ans ! Au cours de Swinging Away With Willie And Ray, sa verve, sa sonorité ferme, ses larges inflexions dominent l’interprétation. C’est un joueur de blues insurpassable, signe que l’on a bien affaire à un “vrai de vrai” !
Ike Quebec (1918-1963) lui, a choisi ses mo­dèles : Coleman Hawkins et Ben Webster. On pourrait faire plus mauvais choix ! Et également Louis Armstrong dont il affirme qu’il est “le maître du langage du jazz”. En 1944 il entre dans l’orchestre de Cab Calloway pour remplacer Illinois Jacquet et restera fidèle à cette formation pendant plusieurs années. C’est un pur jazzman, un artiste sans concession, trop peu connu des amateurs. Ce qui frappe lorsque l’on veut analyser sa personnalité musicale, c’est l’autorité de son jeu. On est impressionné par la netteté de son exécution qui est due à une attaque des notes franche et tranchante. Chaque phrase est parfaitement conçue et jouée avec précision, sans le moindre flottement. Bien que remarquable joueur de blues, il excelle aussi dans les ballades. Il allie fermeté et tendresse tout au long de She’s Funny That Way où éclate toute sa classe.
Carlos “Don” Byas (1913-1972), grand mélodiste et grand technicien, est lui aussi un membre émérite de l’école Hawkins auquel il ressemble beaucoup par le son certes, mais aussi par son discours. Au cours des années 40, après son départ de l’orchestre de Count Basie avec lequel il collabora pendant deux années, il est très demandé dans les studios, et déborde d’activité dans les cabarets de la fameuse 52e rue de Manhattan à New York. La hauteur constante de son inspiration, sans le moindre passage à vide, et sa somptueuse sonorité expliquent son succès tant auprès des musiciens que des amateurs. Musicien inspiré, régulier, parfait technicien, calme, efficace, on comprend les raisons de sa présence dans un si grand nombre de disques au cours des années 44 et 46 avant sa venue en Europe.  Il est au premier plan de Melody In Swing, une composition de Sidney Catlett, présent à la batterie.
Avec Albert “Big Al” Sears (1910-1990), nous avons affaire à un cas à part ! Musicien très original, au swing harcelant, il possède un style instrumental qui se caractérise, avant tout, par les nombreux contrastes qui parsèment ses improvisations. Il fait habilement succéder les passages joués legato, souvent en douceur, avec des passages joués violemment en pleine puissance, phrases staccato posées sur le temps, ce qui engendre toujours un swing considérable. Il sait tirer avec efficacité le meilleur parti de cette opposition entre douceur et rudesse. Ses solos sont toujours intrigants et passionnants à suivre. Il se rattache par son volume et son vibrato à la grande école des big sound tenors, celle de Coleman Hawkins, avec parfois une pointe de growl en plus. Il aime aussi faire parler son instrument avec de très larges inflexions, et certaines de ses notes sont émises avec une vigueur peu commune. Il fut choisi par Duke Ellington pour remplacer Ben Webster, rude tâche, et après son départ de cette formation il collabora avec Johnny Hodges pendant plus de deux ans, période pendant laquelle il enregistre une de ses compositions dont il a écrit également l’arrangement, Castle Rock, disque qui connaîtra en son temps un succès important, notamment auprès des danseurs de Harlem qui ne s’y sont pas trompés. Al Sears, musicien unique, au style mélodique neuf et personnel est un de ces multiples “artisans” qui ont fait du jazz une musique aussi riche et aussi variée. Une approche encore différente de l’instrument.
Eli “Lucky” Thompson (1924-2005) est un surdoué qui aurait dû faire une carrière très supérieure à ce que fut la sienne. Dès l’âge de 20 ans (!), il brille chez Count Basie, mais tombe mal, car à ce moment le recording ban sévissait aux Etats-Unis, d’où l’absence d’enregistrements pour les grandes marques de disques. Sa présence dans cette phalange prestigieuse passe donc presque inaperçue. Seuls ceux qui possédaient des radios dans les années 44-45 ont pu constater à quel point ce jeune ténor était remarquable. Il est né à la mauvaise période, celle où les jeunes jazzmen “classique”, pour pouvoir jouer, devaient se mêler à des boppers dont le jeu ne leur convenait pas du tout. De 1947, apprécions Just One More Chance, une ballade qui lui rend pleine justice, où son attaque douce et ferme, son vibrato serré et ardent, ses longs développements subtils et sinueux font merveille. Lucky Thompson, enfant de Coleman Hawkins, est un des derniers saxos ténors de grande classe de cette école.
Pourquoi à présent se priver d’un musicien très peu connu, ignoré de bien des amateurs, Hubert “Bumps” Myers (1912-1968) qui s’illustra cependant aux côtés de Lionel Hampton, T-Bone Walker et surtout Benny Carter ? Ici en parfait disciple (encore !) de Coleman Hawkins, il brode avec chaleur et élégance sur Love For Scale en compagnie de Sidney Catlett. Magnifique, une grande réussite ! Il exista en France un saxo ténor qui pouvait tenir tête aux grands solistes noirs, tant par sa puissance que par son volume sonore exceptionnel, son phrasé et son swing. C’est le grand Alix Combelle (1912-1978) qui avait parfaitement assimilé le langage musical des musiciens noirs sans les copier : on reconnaît son jeu instantanément. On l’écoute ici dans Fariboles enregistré à Paris en 1942 avec de brillants partenaires. Généreux swing d’ensemble, arrangement alerte bien enlevé par tous, solos de classe et entrée d’Alix digne des grands, pour deux formidables chorus avec un début de deuxième chorus d’un swing intense ! Lorsque l’on demandait à Alix quels étaient ses ténors favoris, il répondait infailliblement Coleman Hawkins et Chu Berry, on ne peut mieux choisir ses modèles ! Lui aussi est un adepte du big sound. Certains amateurs en train de lire ces lignes doivent se demander : mais pourquoi ne nous a-t-il pas parlé plus tôt de Lester Young (1909-1959) ? Nous y arrivons. Voici l’autre chef de file que certains musiciens ont préféré à l’école Coleman Hawkins dont l’empreinte fût si bénéfique qu’elle a engendré nombre de grands spécialistes, ce qui ne fut pas le cas de “l’école Lester Young”. Lester a voulu dès le départ s’écarter du courant Hawkins dont l’influence était dominante dans les années 30. Il voulut, et ce avec une volonté farouche, être différent, dans tous les domaines être original, avec un son plus léger, qui n’est pas sans charme du reste ! Phrasé inédit s’appuyant rarement sur le temps, semblant flotter avec désinvolture sur la pulsation de la section rythmique, grande imagination, tournures insolites, il fut la vedette de l’orchestre de Count Basie. Là, il grava une foule de solos de très haut niveau, mais par la suite la maladie le diminua beaucoup hélas. En 1944 avec Dickie Wells, fracassant au trombone, et quelques copains de chez Basie dont Jo Jones à la batterie, il est éblouissant tout au long de ses deux solos de I Got Rhythm, où nous avons là le grand Lester. Il eut une influence importante sur de multiples saxophonistes, mais sa “descendance” est loin d’avoir la dimension des “enfants” de Coleman Hawkins. Tous ses imitateurs n’ont pas su capter l’essentiel de son message, l’âme de sa musique, se contentant de copier la superficie de sa personnalité musicale. On comprend qu’il est plus facile d’être un suiveur de Lester Young en adoptant son volume assez mince que d’acquérir l’énorme son, le vibrato ample et les déboulés de Coleman Hawkins ! Pour en terminer avec les saxos ténors, le meilleur de la génération suivante nous semble avoir été King Curtis (Curtis Ousley) (1934-1971). Il joue superbement le blues comme dans Rib Joint avec le pianiste Sammy Price. Véhémence, sonorité drue parfois chargée d’un léger growl, attaque tranchante, découpage précis, autorité sans faille, il n’est pas étonnant qu’il ait servi de référence à des artistes plus jeunes ! Il eut beaucoup de succès dans la soul music avant sa fin tragique au début des années 70.
Les Altos
Passons maintenant à quelques saxos altos, ceux qui suivirent les intouchables Johnny Hodges et Benny Carter. Certains d’entre eux, cependant, dans leurs meilleurs solos, ne sont pas loin de ces deux grands maîtres. Le premier, Willie Smith (1908-1967), fut la vedette de la formation de Jimmie Lunceford pendant des années. Son timbre sonore, d’un volume exceptionnel est d’une rare beauté ! Il possède une technique instrumentale considé­rable et une attaque foudroyante. Quant à son imagination, elle est à la hauteur de ses dons d’instrumentiste. En jouant Stricktly Instrumental de l’orchestre Lunceford, on retrouve un solo explosif de 16 + 8 mesures de notre vieille connaissance Joe Thomas au ténor, et immédiatement après Willie Smith pour 16 mesures seulement, mais quelle intervention rayonnante ! Swing impétueux, idées originales et un volume tel, que l’on pourrait presque prendre son alto pour un ténor ! Musicien fascinant dans ses grands moments.
Earl Bostic (1914-1965) est un vrai phénomène lui aussi. Exceptionnel technicien, possédant une maîtrise absolue de son instrument, son swing et sa volubilité étaient fort justement célèbres. Au cours de l’étourdissant Steamwistle Jump qui est une suite de variations sur les harmonies du fameux Take The A Train (cher à Duke Ellington), il est de bout en bout au premier plan, sans que l’on puisse déceler la moindre baisse de régime, alliant puissance et sérénité. Il domine absolument son sujet, un vrai chef d’œuvre, qui le place au premier rang des plus grands saxos altos ! Hilton Jefferson (1903-1968), au cours de sa riche carrière, a joué avec les plus grands du jazz comme King Oliver. Il fit partie des formations les plus prestigieuses : Fletcher Henderson, Chick Webb, Cab Calloway et Duke Ellington, quelle carte de visite ! C’était un premier alto réputé, mais aussi un soliste délicat avec une sonorité d’une pureté remarquable. Il est la vedette de Willow Weep For Me avec Cab Calloway, où son alto chante avec grâce et sérénité. Ses improvisations font de lui un modèle d’élégance et de musicalité. Certains doivent piaffer d’impatience : quand va-t-il parler, enfin, de Charlie Parker (1920-1955) ? Eh bien le jeune Parker a été à Kansas City un excellent joueur de blues, à la sonorité un peu acide par moments, au sein de l’orchestre du pianiste Jay McShann vers 1941-42. En 1944 une chance d’enregistrer à nouveau, lui est offerte par le numéro un de la guitare électrique Tiny Grimes avec lequel Charlie aimait jammer presque tous les soirs dans le Club Spotlight à New York. Au cours de Tiny’s Tempo,il prend trois chorus de blues sur tempo vif d’une excellente facture. Par la suite, on peut regretter qu’un tel musicien ait choisi de s’éloigner de plus en plus de ce jazz, cher à l’auteur des présentes lignes, et a développé une toute autre école.
Arrivé au terme de cette présentation des plus grands saxophonistes de jazz ayant exercé leur art entre 1923 et 1957, surtout altos et ténors, c’est le moment de remercier chaleureusement Monsieur Adolphe Sax d’avoir inventé de tels instruments, qui, encore une fois, ont été pleinement, magnifiquement, magiquement révélés, presque réinventés, par le travail acharné et l’intuition des premiers grands artistes noirs, les Bechet, Hodges, Carter ou Hawkins ! Si, Mr Sax a inventé l’instrument, ce sont eux qui ont donné la manière de s’en servir à une foule d’artistes qui s’en sont emparés et ont pu briller, grâce aux recherches et au perfectionnement de ces pionniers !  Bien sûr, une telle sélection ne permet pas d’inclure des dizaines de musiciens valeureux qui ont adopté les saxophones, et certains pourront penser que nous avons oublié des artistes hautement estimables. Nous le savons, mais les places étaient chères, et nous pouvons affirmer que les plus importants sont bien là. Plus les années ont passé, plus les nouveaux adeptes du ténor notamment furent nombreux, plus on a pu constater aussi le cruel manque de grandes personnalités. La tendance s’est résumée, hélas, à “tout le monde ressemble à tout le monde”, alors que dans les années 30 et 40, dès les premières mesures on ne pouvait se tromper et il était aisé d’identifier les Hawkins, Webster, Chu Berry, Joe Thomas, Herschel Evans, Lester, Jacquet, Cobb… tous musiciens de très forte personnalité ! Merci encore à l’inventeur Adolphe Sax, et merci à ces musiciens de jazz, qui à force de travail ont révélé les possibilités immenses de ses instruments !  Reconnaissance absolue à tous ces grands créateurs ! 

Jacques MORGANTINI
© 2010 Frémeaux & Associés

Jacques MORGANTINI
Adapted from the French text 
by Joyce WATERHOUSE
© 2010 Frémeaux & Associés